Durante o Festival de Cannes, muitas das produções aproveitaram a visibilidade para divulgar seus trailers, e assim, atrair público para as estreias nos cinemas. O CETI! traz o trailers de duas produções que saíram premiadas do festival, "In the Fade", que deu a Diane Kruger o prêmio de melhor interpretação feminina e "You Were Never Really Here", que saiu com as congratulações de melhor roteiro e melhor interpretação masculina para Joaquin Phoenix.

Em "In the Fade", longa de Fatih Akin, a vida de Katja desmorona após a morte do marido e do filho em um ataque a bomba. Depois do tempo de luto e as dores da injustiça, ela sai em busca da vingança. Extremamente elogiada em Cannes, Kruger tem um caminho árduo para chegar até o Oscar, pois o filme é todo em alemão e precisará de uma boa campanha quando exibido nos diversos países, principalmente nos EUA.

Joaquin Phoenix entrou para aquela lista especial de atores que já mereciam há tempo um Oscar, mas ele ainda não chegou, afinal são três indicações. Depois de sair de Cannes com prêmio e coberto de elogios, as apostas numa nova indicação são reais. Lynne Ramsay é a responsável por "You Were Never Really Here", que também tem chances em roteiro adaptado. Na história, Phoenix interpreta um veterano de guerra que é contratado para resgatar meninas do tráfico sexual.

Confira! 

Sucesso no Festival de Sundance, no início do ano, e agora em Cannes, "Wind River" divulgou seu primeiro trailer.  O longa marca a estreia de Taylor Sheridan na direção, que após uma longa carreira como ator na televisão americana, se aventurou pelo cinema como roteirista, alcançando uma indicação ao Oscar por "A Qualquer Custo", além de ter escrito "Sicario: Terra de Ninguém".

A trama do filme, também assinada por Sheridan, conta sobre Cory, um caçador de uma pequena cidade americana, que descobre o assassinato de sua filha, ocorrido em uma reserva indígena americana. Ele começa uma investigação sobre o caso e conta com o auxílio de uma agente do FBI, que não conhece a região. No elenco estão Jeremy Renner e Elizabeth Olsen como protagonistas.

"Wind River" estreia no inicio de agosto nos cinemas americanos, e se continuar neste boom pelos festivais durante a temporada, tem tudo para ser uma boa aposta da The Weinstein Co. no Oscar. Principalmente para o diretor, que venceu a categoria em Cannes, na mostra Un Certain Regard.

​Confira!

O Festival de Cannes terminou, mas o termômetro Oscar 2018 está apontando suas primeiras mudanças! Por isso, separamos algumas principais coisas que aprendemos em Cannes e montamos esse primeiro "sobe e desce", para vermos, por enquanto, o que parece mais próximo e o que parece mais distante do Oscar. O que não quer dizer às vezes que o filme seja ruim, apenas que agora está mais distante do Oscar por algum motivo que iremos explicar. 

Só lembrando que Cannes é apenas o começo de muita coisa que ainda vai acontecer e mudar, da mesma forma que, alguns dos longas abaixo, já podem estar traçando seu caminho até o Oscar 2018.

E mais um Festival de Cannes chega ao fim! Trazendo, outra vez, o melhor de tudo do cinema!

Os resultados votados pelo Júri presidido por Pedro Almodóvar foram revelados, houve algumas omissões e prêmios que foram realmente merecidos. 

O grande vencedor da Palma de Ouro foi Ruben Öslund, com o filme "The Square". O diretor britânico já tinha vencido o prêmio Un Certain Regard pelo longa "Força Maior", em 2014. 
Estreando no quarto dia de festival, "The Square" foi muito bem recebido pela imprensa, que já apontava desde ali como um dos favoritos a Palma de Ouro, o que se concretizou. A trama conta sobre Christian, que é o curador de um museu de arte moderna. Poucos dias antes da abertura da prestigiosa exposição The Square, ele é assaltado. Ele então parte em busca de encontrar o assaltante e se encontra em situações que o faz questionar sua própria bússola moral. Simultaneamente, ele precisa lidar com os últimos preparativos da exposição. 

O resultado de Cannes aponta diretamente para o Oscar 2018! Os demais vencedores do prêmios principais tem tudo para fazer uma excelente temporada. Joaquin Phoenix venceu interpretação masculina por "You Were Never Really Here" e Diane Kruger melhor interpretação feminina por "In The Fade". Além de Sofia Coppola confirmando que é uma das melhores cineastas de sua geração e se tornou a segunda mulher a ganhar melhor direção por "O Estranho Que Nós Amamos". Quem também está em um excelente ano é Nicole Kidman. Estreando três filmes em Cannes, a rainha desta edição ganhou o prêmio especial 70º Festival Aniversary.

Confira todos os vencedores desse ano, abaixo:

​GRAND PRIX:
“Beats Per Minute (BPM)”, de Robin Campillo

​PALMA DE OURO PARA CURTA-METRAGEM
“Xiao Cheng Er Yue (A Gentle Night),” de Qiu Yang

O 70º Festival de Cannes pode ter terminado, mas agora é que realmente começa a corrida rumo ao Oscar 2018! Obrigado à todos que acompanharam esses 11 dias de festival com a gente.

Chegamos ao último dia de exibições na competição oficial no festivo 70º Festival de Cannes. Exibindo um cinema de excelência, repleto de boas histórias, grandes atuações, cineastas consagrados e da nova geração, além das velhas (ou novas?) e boas polêmicas que sempre pairam no ar do litoral francês. Para  encerrar Roman Polanski e Lynne Ramsay.

"Based on a True Story" foi a decepção do dia, um filme menor e preguiçoso da carreira de Roman Polanski, uma adaptação estranha e sem brilho, ou melhor, só se destacam o brilho dos olhos da sempre bela Eva Green. A última exibição concorrente marca o retorno de Lynne Ramsay com o drama "You Were Never Really Here", elogiado não só pelo bom trabalho da diretora, como também a performance de Joaquin Phoenix.

Confira o que as reviews falaram sobre o último dia de exibição oficial:

Uma das características boas de Cannes é a oportunidade de ver nomes consagrados do cinema disputando a Palma de Ouro ao lado de outros desconhecidos do grande público em geral. Um encantamento assistir produções de escolas e origens diferentes, ver aqueles que fizeram o cinema, que suas histórias se misturam com as da sétima arte. Roman Polanski está de volta ao festival do qual já foi presidente de júri e vencedor. Se "O Inquilino" e "O Pianista", vencedor da Palma de Ouro e que deu a ele o Oscar de Melhor Diretor, fizeram sucesso antes, dessa vez não encontrou o mesmo efeito com "Based on a True Story".

O longa foi considerado uma produção menor da brilhante filmografia do diretor. Adaptado por Olivier Assayas ("Personal Shopper") do romance de Delphine De Vigan, sobre uma autora em pleno processo criativo que é perseguida por uma fã, a produção tem aquele estilo teatral visto nos últimos "Deus da Carnificina" e "A Pele de Vênus", todavia infelizmente sem a mesma qualidade. 

O Independent foi o primeiro a reclamar da falta de qualidade do longa, atribuindo aos vários clichês. "Este filme simplesmente trota em cima de clichês que falam sobre a necessidade de escrever a partir do coração e sobre o experimentalismo. Este é o primeiro filme de Polanski a ter duas mulheres como protagonistas centrais. Infelizmente, é tratado de uma maneira tão superficial que ele não consegue explorar significativamente a tensão, o ciúme e a rivalidade entre elas. O que são todos os elementos de um grande conto, mas Polanski não separa adequadamente a fantasia do real."

"Em última análise, a verdadeira qualidade redentora do filme pode ser que, uma vez que você desprenda algumas camadas de seu meta-discurso distorcido e exagerado, "Based on a True Story" oferece um retrato surpreendentemente sincero e astuto de quão traumático é o início de uma grande e nova amizade. Filmes que retratam a convergência progressiva de dois personagens parecem preocupados com espelhar a atração romântica, pois estamos muitas vezes melhor equipados para lidar. Contudo, o fim de tudo é tão anti-climático que deixa você sentado lá, se perguntando como poderia ter valido a pena.", sacramenta o Indiewire.

Quanto as atuações da dupla protagonista, não há nada de novo ou brilhante, o que não ajudou muito o filme das críticas de sua má adaptação. "Emmanuelle Seigner, que é esposa de Polanski não encarna nem um pouco os transtornou de uma escritora em processo de produção de um novo livro, uma pena, já que esteve maravilhosa em "A Pele de Vênus". Eva Green é tão deliciosamente sinistra em quase tudo o que ela fez, que mais uma vez traz seu olhar eclipsante. Contudo a química aqui quase não sobe acima da temperatura ambiente.", afirma o Variety.

Em meio a Haneke, Haynes, Coppola, Hazanavicius e tantos outros nomes de destaque do cinema, Polanski aqui decepcionou ou não, já que infelizmente não haviam grandes expectativas em torno da produção. "Based on a True Story" não é a pior exibição desta edição do festival, mas sem dúvidas é mais um exemplo daquele cinema estranho que estamos acostumados a ver na tv nas noites de sábado. Uma pena.

Último filme exibido na competição oficial desta edição do Festival de Cannes, "You Were Never Really Here" marca a volta de Lynne Ramsay aos tapetes vermelhos do balneário francês, agora junto de Joaqhin Phoenix e Ekaterina Samsonov. A diretora já ganhou dois Prêmios do Júri de Melhor Curta pelas produções "Small Deaths" e "Gasman", além do C.I.C.A.E. Award e Award of the Youth por "Morverm Callar". Em sua última passagem no ano de 2011, exibiu "Precisamos Falar Sobre o Kevin", um dos melhores filmes da temporada. 

Ramsay é uma cineasta brilhante, que há anos desponta no cinema trazendo pequenas "obras primas modernas", como costumam afirmar os críticos. Entretanto é característica de seu cinema que ela faça pausas prolongadas entre uma produção e outra, além de sempre preferir filmes pequenos e independentes. Quando a produção fica grande demais, como "Jane Got a Gun", em que foi escolhida como diretora, ela pula fora, como fez depois de um dia de trabalho. Aqui Ramsay conta sobre a tentativa de um veterano de guerra para salvar uma menina de uma organização de exploração sexual, que dá terrivelmente errado.

"You Were Never Really Here" é incontestavelmente emocionante, um engenho bem enrolado de energia nervosa, tristeza e sangue, mas é ao serviço de uma história que foi contada inúmeras vezes antes e não está claro o ponto de vista que está em jogo. Contudo, ela é mestra em trabalhar sob uma perspectiva de desorientação estratégica, retendo informações e forçando o espectador a sentir o que está acontecendo, ao invés de decifrá-lo logo", destaca a Vulture.

Quem também ganhou destaque nas reviews sobre o filme foi o protagonista, Joe, não só pelo bom trabalho de Phoenix, mas por toda a construção de personagem. "Ramsay abusa de referências culturais para compor Joe. Ela nunca lança essas referências por simples diversão, tudo está vestido pela metalinguagem, fazendo parte de sua estratégia para tornar Joe um rico composto cinematográfico, um personagem uber. A complexidade da arte de Phoenix é tal que ele pode uivar interiormente pela vingança e simultaneamente sentir o horror total da violação de uma jovem, com um suspiro de riso incrédulo direto da forca.", conforme aponta o Telegraph.

Já para o The Hollywood Reporter, o longa tem dificuldades em manter o thriller em boa qualidade durante todos os minutos visto em tela. Tudo está em volto de um agradável esforço de realmente exibir algo bom, porém que sem dúvida poderia ser melhor. "Uma vez que o corte que estreou em Cannes não tinha créditos finais, espero que haja espaço para mais refinamento antes que ele finalmente entre em processo de distribuição pela mundo.", destacam. Uma curiosidade é que "You Were Never Really Here" foi comprado pela Amazon para ser exibido nos EUA.  Mais um filme de Cannes que não chegará as salas de cinema e sim diretamente através  de streaming, pelo menos nos EUA. Uma boa surpresa que pode resultar em prêmios.

Cannes assistiu ontem o ousado longa do diretor alemão Fatih Akin, com a sempre maravilhosa Diane Kruger como protagonista. "In The Fade" é um filme impossível de passar desapercebido, afinal o cineasta vem em grande ascendente na carreira depois de "Contra a Parede", que deu a ele o Urso de Ouro em Berlim e "Do Outro Lado", que ganhou a Palma de Melhor Roteiro e o prêmio do Júri Ecumênico em Cannes, no ano de 2007. 

Dez anos depois, o discurso político de Akin continua muito forte, em "In The Fade" vemos as consequências de um atentado terrorista neonazista. Nada mais oportuno, pois a Europa vive atualmente um momento de extrema falta entendimento, uma conturbação com a chegada de cada vez mais refugiados e um onda preocupante de xenofobia. No meio deste tom social e político, Akin é muito atento ao não retirar da produção o seu divertimento, o seu entretenimento.

O resultado do que é visto na tela traz a impressão de que a ousadia da proposta não levada a cabo em todos os momentos do filme. "O primeiro terço excelente dá lugar a uma edição relativamente padrão. Apesar de generosamente produzido como drama repleto de personagens vivo de ações, o script parece muito guiado pelos requisitos presumidos do cinema mainstream.", aponta o Variety. E se o fato do longa ceder em características ao cinema pipoca fim de caçar bilheteria faz com que receba careta dos mais puristas, o mesmo não pode ser reclamado pela produção, já que a foi uma das produções mais vendidas e mais rápidas nesta edição do festival. 

Quem colabora muitíssimo não só para dar a sensação do título do filme, mas compreende um excelente trabalho é o diretor de fotografia Rainer Klausmann. Os seus brandos movimentos, somado a escolha da paleta de cores traz uma energia adequada. "Ele explora os movimentos mais sóbrios e quietude do tormentoso céu de Hamburgo, como se concordasse em chorar pela perda de Katja, personagem de Kruger. Ele sabe manter sua câmera tanto quanto possível no desempenho incrível da atriz, assegurando estar as beiras da fragilidade", destaca Jay Weissberg. 

O desempenho de Diane Kruger, em seu primeiro filme na língua natal, é encarado com um pouco de desconfiança por alguns veículos, porém o consenso geral é que este é o melhor de sua carreira, a catapultando a alemã para estar entre as favoritas à Palma de Ouro de Melhor Interpretação Feminina. Chamada de "soberba" pelo The Hollywood Reporter, a atriz "oferece um desempenho de alta classe como a corajosa, emocionante e implacável sobrevivente Katja, que deve facilmente colocá-la na corrida para um prêmio de atuação em Cannes." O Screendaily foi além, ao dizer que se o filme continuar passando bem pelos festivais, Kruger tem chances de chegar ao Oscar. 

Por fim, Akin sai de Cannes novamente no centro dos comentários e especulações. Todavia, desta vez com possibilidade reais de ser o escolhido para representar a Alemanha no Oscar. Não porque tenha feito o filme perfeito, já que "In The Fade" cai muito dentro das idiossincrasias e manias do diretor. Ele pode ter tido um boa história em mãos, capaz de abalar os brios da Europa em seu latente estado de confusão, porém falha na tentativa de ser blockbuster, o que neste ponto deu muito certo.

O diretor e roteirista François Ozon volta para Cannes, onde sua última estreia foi em 2013 com o longa "Jovem e Bela". Essa é a quarta passagem do diretor pelo festival e ele nunca saiu premiado. Dessa vez pode ser diferente.

"L'amant Double" é uma espécie de suspense erótico, que não tem medo de passear pelo bizarro, pelo contrário, segundo os críticos a segurança de Ozon ao filmar o longa deixa tudo tão curiosamente bom. O longa traz a história de uma mulher reprimida sexualmente que, após constantes dores na altura do estômago, decide buscar ajuda psiquiátrica. Assim conhece Paul, que após algumas sessões se torna seu amante. Ele então indica uma colega para tratar de seu novo amor, mas ela prefere se consultar com outro psicólogo: o irmão gêmeo de Paul, que desconhecia até então.

O filme é um dos mais controversos até agora, ao término da sessão tanto se ouvia comentários de que o filme genial, quanto que era um lixo. 

A Variety entregou uma boa crítica e comparou o filme à franquia "50 Tons de Cinza", dizendo que essa é a resposta do cinema francês de como se faz um verdadeiro thriller erótico e como é complexa a visão do diretor: "Muitas vezes, histórias de esquizofrenia e sofrimento mental se manifestam de forma violenta na tela, mas "L'amant double" mantém as coisas confinadas principalmente ao reino do erótico. Claro, é perverso, mas Ozon está se divertindo com ele, na medida em que o filme inteiro recompensa o fetiche que todos os cinéfilos têm em comum - o voyeurismo - oferecendo uma espécie de objetivação de igualdade de oportunidades".

Mas, provando essa divisão de opiniões, o IndieWire foi bem mais negativo: "Um thriller erótico divertido, em que nada é o que parece, tudo poderia acontecer, e tudo é pelo menos um pouco ridículo".
Essa divisão inclusive acontece na abertura do filme, muito elogiada por alguns e bastante criticada por outros, assim como nos conflitos que acontecem ao longo do filme, que o IndieWire chamou de fracos e desinteressantes. 

Provavelmente o filme não terá vida longa na temporada de premiações, mas talvez seja exibido em festivais. Quanto à Palma de Ouro, dizem que o trabalho faz muito o estilo de Pedro Almodóvar no começo da carreira. Então deve ter caído muito bem nas graças do presidente do júri.

Chegamos ao nono dia com a esperada estreia de Pattinson em "Good Time" - que acabou indo muito melhor do que o esperado. E com o francês "A Gentle Creature", que também fez bastante sucesso!

A semana de Cannes já está acabando. Vamos aproveitar esse nono dia, que deixou a disputa pela Palma de Ouro ainda mais acirrada:

​Os Irmãos Ben e Joshua Safdie chegaram ao nono dia do festival com um dos mais diferentes da temporada. Com um elenco interessante que conta com Robert Pattinson, Jennifer Jason Leigh e Barkhad Abdi o filme fala sobre Constantine Nikas e seu plano de assaltar um banco e descolar uma boa quantia em dinheiro, mas nada sai como o planejado e seu irmão mais novo acaba sendo preso. Decidido a resgatá-lo, Constantine embarca em uma perigosa corrida contra o relógio, e onde ele mesmo é o próximo alvo da polícia.

Antes de mais nada, vale salientar que a expressão Good Time significa reduzir o tempo da prisão. Como se quisesse que qualquer tempo passado a mais fora da prisão é um Good Time.

"Good Time" evidencia o plano de Pattinson de ter uma carreira mais séria no cinema. Algo próximo de como foi com Kristen Stewart, que depois de estrear algumas vezes em Cannes, levou um histórico prêmio César e esse ano estreou como diretora, sendo muito bem aplaudida. 

E é exatamente sobre isso que a Variety escreve: "Uma grande performance na carreira de Robert Pattinson, como um ladrão de bancos do Queens em uma missão frenética para tirar o seu irmão mentalmente deficiente  da cadeia. O filme vai atrair mais olhares do que o resto da obra dos Safdies, mas "Good Time" ainda não é um piquenique comercial. Em vez disso, é uma prova empolgante da capacidade dos seus criadores de criticar e desafiar o público".

A Vulture também fala sobre Pattinson: "A maior parte do filme é sobre os ombros de Pattinson, fazendo um dos melhores trabalhos de sua carreira pós-franquia". Mas é sobre Ben Safdie, que faz o papel do irmão, que ela realmente elogia: "E o desempenho de Benny Safdie como Nick é uma corda bamba que funcionou com sucesso, esquivando-se de todos os truques de atores retratando os deficientes e derrubando um martelo emocional que prende o filme. Para todas as suas emoções, Good Time é um filme sobre um amor destrutivo - e amar alguém, apesar de não ter o tipo certo de amor para dar. Ignore o título enganoso: este é o tipo de emoção que se espalha".

O The Guardian deu 3 estrelas em 5: "O filme tem seu próprio tipo de energia louca, enxaqueca e individualidade, e Robert Pattinson dá um desempenho forte e carismático (...) A estrutura inconstante de Good Time diz algo sobre a natureza do crime que outras narrativas mais formais e unitárias talvez não compreendam. Mas o filme perde de vista os irmãos e seus vínculos e a seqüência final não restabelece completamente sua temática".

"Good Time" era uma surpresa no festival. E essa boa estreia deixa um ar de que mais coisas possam vir! Talvez uma indicação para o Oscar ainda esteja distante, mas quem sabe o Globo de Ouro não dê uma chance para Pattinson?

Um filme francês, mas falado em russo. Na direção Sergei Loznitsa, um velho conhecido do festival e reconhecido documentarista, que chega a sua terceira participação na competição oficial, agora com "A Gentle Creature". Suas duas anteriores passagens rederam um bom burburinho para ele, "Minha Felicidade" foi muito elogiado e "Na Neblina" vencedor do FIPRESCI Prize. Loznitsa fez um bom trabalho mais uma vez, oferecendo um mergulho cativante e alucinatório na sociedade civil retrograda da Rússia, em que a busca de respostas de uma mulher é retribuída com humilhação e abuso.

"Os documentários de Sergei Loznitsa são concebidos como um comentário silencioso, porque suas tomadas são rigorosamente editadas e friamente compostas, contendo todas as informações necessárias para que os espectadores sintam o peso de seu argumento. Em contrapartida, seus filmes de ficção brincam com a narrativa de maneira livre, combinando audácia narrativa e cinematográfica em cenas que mudam do sublime para o fantasmagórico", explica Jay Weissberg, do Variety, ajudando a entender a dinâmica do trabalho do diretor. 

A temática do longa não poderia ser mais atual e condizente com o que é visto nos noticiários, por isso "The Gentle Creature" é um choque para o espectador. Weissberg ainda concluí: "o filme é um recurso denso, um pesadelo, que tem como objetivo a alma enrugada da Rússia. Na tela temos uma mulher sem nome, que tenta saber porque o pacote que ela enviou para seu marido prisioneiro foi devolvido sem explicação. Sua viagem infernal através de uma sociedade distanciada da humanidade forma uma visão desafiadora, às vezes sombriamente humorística e, finalmente, eviscerante de niilismo surrealista que é inconfundivelmente russo em estilo e desolação."

Os elogios não param por aqui, o Telegraph também faz coro ao dar 5 estrelas para o filme. "O extraordinário novo filme de Loznitsa, que foi exibido em Cannes na noite passada, é uma odisseia incrivelmente ambiciosa e persistente, de cair o queixo na escuridão cruel da Rússia, onde os seres humanos se cercam em espirais predatórias, agitando turbilhões de violência, corrupção e poder, sem nenhuma fuga."
 
Sobre a atuação de Vasilina Makovsteva, o Telegraph ainda pontua sua qualidade. “Ela não sorri uma vez ao longo do filme e suas expressões muitas vezes parecem mais velhas do que aparenta ser de rosto. Seu trabalho é mudo e melancólico, mas também nuançado e fascinante. Há uma exatidão para sua lenta construção de desespero, como ela percebe que pode ser enganchada em uma armadilha de que não há escapatória. Quando está mais destruída é quando ela mais impressiona.”
 
O título do filme foi retirado de um dos famosos contos Dostoyevsky, porém sem se tratar de uma adaptação, mas não foi por acaso. "A Gentle Creature" não é apenas sobre a burocracia russa - é sobre a história da Rússia, a identidade russa”, salienta o The Wrap. O filme recebeu uma quantidade igual de vaias e aplausos após sua primeira exibição para a imprensa nesta noite, entretanto nas primeiras reviews divulgadas há muitos elogios. Por fim, o The Wrap sacramente: “Diga o que você quiser sobre o filme, mas você não pode negar que ele representa o tipo de ardiloso de jogo artístico que Cannes adora.” O filme perfeito para simbolizar Cannes nesta edição especial.

Cannes não para! No seu oitavo dia vimos o melhor e o pior das produções que estão estreando no festival. Além de mais uma vez a onipresente Nicole Kidman, a rainha desta edição, desta vez com o seu terceiro filme.

Como é bom ver Sophia Coppola de volta ao festival, e vê-la com um ótimo longa é melhor ainda. "O Estranho que Nós Amamos" foi muito elogiado pela imprensa, não como um filme perfeito, mas um dos melhores da cineasta. Toda a atenção para o elenco sensacional composto por Nicole Kidman, Colin Farrell, Elle Fanning e Kirsten Dust, há sobrevida para eles. Quem não se saiu bem foi Jacques Doillon com o seu "Rodin", a estreia mais criticada no festival até o momento.

​Confira o que rolou no 8º dia do 70º Festival de Cannes.

O 70ª Festival de Cannes trouxe em sua seleção oficial alguns dos diretores mais prestigiados que já passaram outrora pelos tapetes vermelhos do balneário francês. Haneke, Hazanavicius, Haynes são alguns deles, e agora Sophia Coppola. Há muito tempo a cineasta deixou para trás o forte nome e tradição familiar que a acompanha, tornando-se uma das melhores de sua geração. Afinal, a vencedora do Oscar de Melhor Roteiro Original por “Encontros e Desencontros” produziu outros excelentes filmes como “Maria Antonieta” e “As Virgens Suicidas”. Este ano, ela volta a Cannes com “O Estranho que Nós Amamos”, um drama soturno que traz mais uma vez Nicole Kidman com bastante destaque nas telas.

Na adaptação da obra de Thomas Cullinan e remake de 1971 com Clint Eastewood, Coppola contra sobre uma escola de meninas na Virgínia durante a Guerra Civil, onde as jovens são protegidas do mundo exterior. Um soldado da União ferido é levado para lá a fim de ser tratado. Logo, a casa é tomada por tensão sexual, rivalidades e uma inesperada virada de eventos. O primeiro destaque que a Indiewire dá é ao elenco espetacular, especialmente Kirsten Dunst, já vencedora de uma Palma de Ouro de interpretação por "Melancolia". "Ela é mais uma vez lançada como uma mulher com tanto para dar e para onde ir, mas esta é a primeira de suas personagens que realmente tem uma esperança legítima de escapar de seu limbo. Fantástica!", afirmam. Cabe a lembrança que Dunst é uma grande parceira profissional da diretora.

Quanto a Kidman, já que todos os olhos em Cannes estão voltados para ela, traz uma personagem hiper-contida, uma mulher que está dividida entre luxúria, inveja e seus instintos maternos. Para o Variety, a atriz faz uma apresentação muito justa e correta. "Ela cria um dos raros retratos de um crente puritano que não é caricaturado como estamos acostumando a ver no cinema. Pela primeira vez, uma atriz faz andar o olhar reto e estreito, totalmente novo para ela, acostumada a personagens estridentes e afetados", declararam. Ainda há elogios a interpretação de Elle Fanning, que cada vez mais ganha projeção e respeito dentro do cinema, uma atriz que logo estará em uma produção com chances de Oscar para ela. Colin Farrell tem a missão de interpretar o mesmo personagem de Eastwood, mais contido, também vai muito bem em cena. 

Filmada na Madewood Plantation Hous, em Louisiana, o longa é quase totalmente confinado nos interiores do seminário. O filme de Coppola é contado com precisão cirúrgica e graça selvagem, sendo maravilhosamente trabalhado fotograficamente em uma embalagem madura e íntima em cada um dos seus quadros. Sobre o talento da cineasta, o Indiewire ainda pontua: "Este é o terceiro filme de época de Coppola, e mais uma vez ela usa as armadilhas de outra época para transmitir melhor a intemporalidade da falta e solidão, fluindo pela história como o corante químico fluorescente de uma varredura magnética."

Por fim, o consenso geral é que Sophia "feminilizou" "O Estranho que Nós Amamos", de uma versão de Don Siegel que tinha uma forte carga erótica, ela realmente fez com que o filme ganhasse os traços da perspectiva feminina, com isso ele ganhou em prestígio. Se ele será o grande vencedor em Cannes ou se ele tem força para chegar até o Oscar, ainda não sabemos, porém, sem dúvidas, é uma das melhores estreias desta edição e um dos melhores de Coppola. O The Guardian recomenda: "É um filme que merece ser assistido, um drama-thriller com toques sutis de comédia negra e um tanto de cinema noir. Vale a pena!".

No oitavo dia de festival, outro diretor francês chega no tapete vermelho! Trata-se de Jacques Doillon, que juntou-se com o ator Vincent Lindon, para contar sobre a vida do escultor Auguste Rodin. 

Na trama, que passa em 1880, Auguste Rodin (Vincent Lindon) já é bastante conhecido, mas nunca conseguiu nenhuma encomenta do Estado. Esta oportunidade chega aos 40 anos de idade, com a escultura "La Porte de l'Enfer". Enquanto trabalha, ao lado da esposa Rose Beuret (Séverine Caneele), apaixona-se pela aluna Camille Claudel (Izïa Higelin), sua aprendiz mais talentosa, que se torna sua amante. Quando este relacionamento escondido acaba, Rodin muda radicalmente a forma de seus trabalhos.

As críticas do filme foram todas de médias para ruins. Uma das mais positivas, foi essa visão da Variety: "No centenário da morte de Auguste Rodin, Jacques Doillon oferece uma ferramenta educacional útil para quem estiver com preguiça de ir a um museu. Ou ler um livro. "Rodin" também pode ser visto como trabalho de preparação antes de ir para o Museu Rodin, um parceiro na produção do filme. O que não é tão bom para um público de cinema esperando mais do que uma lição de duas horas sobre a vida do artista".

De ponto positivo, a Variety também falou sobre a direção de arte, que utilizou diversos locais reais que são belíssimos e também que a cenas internas foram iluminadas quase que teatralmente. 

Já o The Guardian deu apenas 1 estrelas em 5 e não se privou de fazer duras críticas: "Jacques Doillon dirigiu um filme absolutamente terrível sobre o escultor Auguste Rodin e ele precisa sentar e pensar sobre o que ele fez. O filme a todo momento fala de paixão. Mas a única paixão que este filme é susceptível de incitar em qualquer lançamento no cinema, será o público se aglomerando em torno da bilheteria, gritando por seu dinheiro de volta".

E falou também sobre os atores: "Todos os atores aqui fizeram grandes apresentações no passado. Mas eles estão completamente à deriva aqui, em papéis que nunca funcionam".

O THR também não polpou palavras: "As magníficas esculturas de Auguste Rodin evocam sentimentos de paixão, êxtase, sofrimento profundo, pensamento intenso e talvez acima de tudo, movimento perpétuo - como se fossem obras contínuas em andamento que foram temporariamente congeladas no tempo. É tanto mais lamentável, então, que este novo trabalho do veterano diretor francês Jacques Doillon se sinta freqüentemente tão rígido e sem vida quanto uma velha laje de mármore".

E o THR conclui: "Rodin pode ser bom com as mãos, mas gostaria que ele fechasse a boca de vez em quando. Não que isso seja necessariamente a culpa de Lindon, que é bastante perfeito para o papel com seus antebraços maciços, olhar intenso e a maneira como ele parece estar constantemente esculpindo tudo e todos com sua mente. Mas boa parte do filme tenta dramatizar a vida de Rodin sem sucesso, com uma série de cenas domésticas bastante ridículas, e algumas cenas rápidas de alguns dos mais famosos artistas e escritores franceses (Cezanne, Monet, Zola, Mirbeau)".

"Rodin" teve a pior estreia no festival até então. Lembrando de outros filmes em edições passadas que também estrearam assim, dificilmente o longa de Doillon terá longa vida nos festivais.

Estamos na metade do Festival de Cannes! 

Logo mais, no domingo, a 70ª Palma de Ouro será entregue. Será um momento histórico! Mas, ainda estamos meio no festival e enquanto os filmes vão sendo exibidos, pôsteres e novidades sobre cada longa também vão sendo divulgados. 

Por isso resolvemos fazer esse especial. Nós, do CETI!, separamos 10 dos mais bonitos ou curiosos pôsteres de filmes no festival divulgados até agora. Alguns dos longas ainda nem estiveram em exibição, mas com um belo pôster já conseguiram chamar nossa atenção.

​Confira: 

Ontem foi um dos dias mais amenos do festival. Concorrendo à Palma de Ouro, apenas o japonês "Radiance" fez sua estreia. Acontece que o sétimo dia foi escolhido para ser a data de comemoração de 70 anos de festival de Cannes!

Entre outras exibições especiais, tivemos a série "Top of the Lake: China Girl", que vai ser exibida completa ao longo dos dias e a homenagem ao diretor Abbas Kiarostami, com "24 Frames" sendo exibido.

Confira como foi a estreia de "Radiance" e veja fotos do sétimo dia e dos convidados da cerimonia de aniversário:

A cineasta japonesa Naomi Kawase chegou em Cannes na manhã de terça e trouxe pro Festival a calmaria daqueles filmes mais íntimos e particulares. Seu longa foi tido como uma homenagem aos amantes de cinema, nada mais justo, sendo que estreava nesse dia tão especial. 

"Radiance" fala sobre uma jovem escritora de versões de filmes para deficientes visuais e um fotógrafo maduro que perde gradualmente a visão. É na relação com a imagem e a luz, dentro e fora dos filmes, que os dois personagens se encontram em suas aflições pessoais. 

O THR comparou esse longa com os trabalhos anteriores da diretora e escreveu que é um filme tão luminoso tecnicamente quanto os outros, mas muito menos inspirado em termos de roteiro e história. 

Dando a nota de 3 estrelas em 5, o The Guardian falou sobre a sensibilidade do longa: "Radiance tenta encontrar no trabalho uma metáfora para o ato de perceber, para a necessidade de se comunicar e a necessidade de imaginar o que outras pessoas pensam, vêem e sentem". E finalizou dizendo que é um filme gentil, pensativo e reflexivo.

A Variety, em sua crítica, falou sobre as opiniões diversificadas que parecem ter tomado a exibição: "Em uma história de romance que floresce entre um fotógrafo cego e uma espécie de tradutora para o cinema, a preocupação temática do filme com o poder das imagens - como percebida por qualquer dos sentidos - é digna e pensativa. No entanto, a execução não tem o rigor visual e emocional dos filmes mais imponentes da Kawase, em vez disso ele enfeita os telespectadores em iluminação amanteigada e banal. Alguns espectadores irão responder muito bem a tais confortos, mesmo assim "Radiance" não irá expandir significativamente o perfil internacional da cineasta tão amada na Croisette".

"Radiance" é um filme para festivais. E dificilmente deve ter forças para ir além disso. Mesmo Kawase já sendo uma diretora querida em Cannes, o júri está com a difícil tarefa de entregar  70ª Palma de Ouro e talvez eles prefiram não premiar um filme mediano.

Chegamos ao sexto dia com três das grandes estreias do festival!

O primeiro foi "The Killing of a Sacred Deer", que traz Nicole Kidman e Colin Farrell num horror psicológico que dividiu o festival. O segundo é "The Day After", de Hong Sang-soo, que teve a exibição mais morna do dia.  E por fim, tivemos "Happy End", de Michael Haneke, que foi muito aplaudido pela crítica e agora é um forte concorrente à Palma de Ouro!

Confira:

O grego Yorgos Lanthimos é um nome crescente dentro do mundo cinematográfico, mesmo com uma filmografia relativamente curta, ele encontrou as boas críticas principalmente com dois filmes: “Dentes Caninos”, que ganhou Un Certain Regard em 2009, e “A Lagosta”, vencedor do Prêmio Especial do Júri no ano passado e indicado ao Oscar de Melhor Roteiro Original. Neste ano ele tenta mais uma vez abalar as estruturas do Festival de Cannes com “The Killing of a Sacred Deer”. Ele conseguiu! Vaiado pela plateia, elogiado pela crítica.

Acontece que o novo longa de Yorgos - que conta com Nicole Kidman e Colin Farrell - tem um ar experimental que lembrou muitos críticos de alguns trabalhos de Kubrick. O drama acompanha uma família que tem suas vidas viradas de ponta cabeça após a entrada de um jovem adolescente em suas vidas. 

O THR elogiou muito o filme: "O desconforto psicológico se agita como um traiçoeiro fluxo subterrâneo sob o humor absurdo do trabalho de Yorgos Lanthimos, que se torna um reflexo de horror doméstico em sua quinta e maravilhosa realização". É importante falar que o THR escreveu que há tempos Nicole Kidman não esteve tão boa em um trabalho!

O horror do filme acaba se tornando sua principal característica, já que toda a concepção técnica é cuidadosamente trabalhada. Yorgos recebe todo o apoio da crítica, que escreve que o diretor oficialmente solidificou a sua posição como um dos diretores mais interessantes do cinema mundial. 

Já o The Guardian deu a nota de 4 estrelas em 5 e elogiou muito a direção: "Como em todos os seus melhores trabalhos, Lanthimos é brilhante em criar um mundo e nos colocar dentro dele. Mas sua estranheza tem um duplo significado: tem um elemento estilizado do absurdo e também é uma expressão plausível de negação. É intrigante imaginar John Carpenter ou Brian De Palma ou Richard Donner dirigindo esse roteiro. Talvez não pareça muito diferente, embora De Palma ou Carpenter possam querer que o final seja acelerado, ou mesmo reescrito para acomodar a reviravolta. O que Lanthimos faz é nos conduzir de uma forma que poucos diretores fariam".

As críticas parecem ter gostado tanto do trabalho de Yorgos, que simplesmente não comentaram as vaias por parte do público. Então, provavelmente, o filme ainda vai ter um longa vida na temporada de premiações. O Oscar ainda é uma incógnita, principalmente se lembrarmos que "O Lagosta" demorou um ano para ser elegível na premiação. Mas, quanto à Palma de Ouro, a disputa está cada vez mais acirrada e esse é um forte concorrente!

O diretor Michael Haneke fez sua estreia no Festival de Cannes depois de 5 anos e o hiato de produções exibidas no evento parece que só agregou ao portfólio dele. Nesta semana, Haneke exibiu o filme “Happy End”, estrelado por grande elenco, incluindo Isabelle Hupert – indicada ao Oscar em 2017.

“Happy End” traz uma família disfuncional que se encontra após a morte da matriarca. À mesa todos estão com seus problemas e intrigas e o diretor Michael Haneke coloca o público para descobrir pequenos mistérios que influenciam na presença de cada membro ali.

O longa mal estreou e boas críticas já foram feitas, até indicaram sua possível vitória a Palma de Ouro. Mas, o mais inusitado é o sentimento de sequência que ele traz. Diversos membros da imprensa comentaram que “Happy End” parece uma continuação de “Amor”, do mesmo diretor, já que a matriarca morre das mesmas condições de saúde.

“É como se o diretor tivesse amarrado as pontas soltas de seus filmes anteriores, ao mesmo tempo em que nos forçava a reexaminar questões que só ficaram mais terríveis desde que ele nos chamou a atenção”, comenta a Variety.

Além dessa semelhança, Haneke manteve seu padrão de direção e roteiro. “O filme exige e recompensa a nossa atenção, mas Haneke é um mestre - seu enquadramento tão preciso, sua forma tão rigorosa - que te puxa naturalmente”, elogiou o The Wrap.

“Como em muitos dos filmes do diretor, as crianças são as primeiras vítimas da hipocrisia adulta e logo se tornam perpetradores do mal. Aqui, essas possibilidades escuras permanecem veladas, apenas insinuadas, e o espectador é deixado para decifrar o seu significado”, traz a análise do The Hollywood Reporter.

Já que estamos falando de um roteiro no qual os personagens devem esconder ao máximo seus segredos e permanecer com seu cinismo, é de se esperar comportamentos que exalem dualidade e mais uma vez Isabelle Hupert foi a estrela principal, possivelmente não com o mesmo peso de seu último papel em “Elle”, cujo rendeu uma indicação ao Oscar, mas ainda assim memorável.

Não são só boas atuações que o roteiro de “Happy End” lhe rendeu. A trama, desenvolvida de forma tão única, ainda carrega humor em suas entrelinhas, mesmo que negro. “Há uma comédia em Happy End, do tipo mais fria. Uma cena mostra todo o elenco, numa grande festa de família, ouvindo uma performance musical que - mesmo sem sabermos algo sobre o músico - seria absurda, cheirando a impostura e engano”, comentou o The Guardian.

“Happy End” é um forte candidato à Palma de Ouro desse ano, porém seus atributos podem aproximar o diretor Michael Haneke apenas de uma indicação de Melhor Filme Estrangeiro no próximo Oscar. 

Com sete exibições em Cannes e uma vitória na mostra Un Certain Regard, o diretor coreano Hong Sang-soo chega no festival com o longa "The Day After". E melhor ainda, essa é a segunda exibição de Hong nessa 70ª edição! No começo da semana o diretor exibiu fora de competição o longa "Claire's Camera", que foi muito querido pela crítica e tido como uma espécie de aperitivo para este que estava por vir. "The Day After" fala sobre Areum (Kim Min-Hee) que está  em seu primeiro dia de trabalho em uma pequena editora, onde ela precisa lidar com seu chefe Bongwan (Hae-hyo Kwon) e sua vida amorosa complicada. Após uma crise no casamento, no entanto, a esposa de Bongwan encontra um bilhete amoroso na mesa dele e acaba por envolver Areum nesta situação delicada. 

​O longa teve uma boa recepção e foi elogiado pela delicadeza e pela sutileza das ações, como enfoca a Variety: "Concebido principalmente como uma série de conversas entre duas pessoas, é tematicamente seu filme mais simples em vários anos - mesmo a lente preto e branco de Kim Hyungkoo é mais funcional do que formal. Os encantos habituais de Hong se aplicam aqui em ótima forma". 

O THR falou sobre o filme anterior, dizendo que o outro parecia em cores mais leves como o verão, e esse agora se encontrava na sutileza fria do inverno. O veículo também enalteceu o estilo tão marcado do diretor e falou sobre as chances da Palma de Ouro: "The Day After é uma essência conjunta de Hong. As pessoas sentam em torno das mesas para conversar, principalmente sobre o amor, desde o início da manhã até o fim da noite. O resultado é outro retrato finamente granulado de um personagem masculino miserável, que aqui se queixa ao seu novo funcionário sobre as duas mulheres em sua vida: sua esposa e a amante (colega de trabalho) que agora se foi e a nova funcionária está substituindo. Embora seja improvável que lhe traga muitos novos admiradores - ao menos existe grande chance de Hong sair com um importante prêmio do júri neste ano".

O The Guardian deu 3 estrelas em 5, questionando as mesmas características antes elogiadas: "O real engajamento emocional do diretor com seus personagens é de certa forma superficial e, às vezes, é o que sentimos na tela. É claro que esse desajuste, essa interferência, esse fracasso em estabelecer uma conexão real é o lugar onde reside a comédia da filmagem de Hong, e o fracasso reside principalmente no próprio editor, que é sutilmente auto-compassivo e presunçoso, nunca desejando discutir qualquer coisa, sempre recuando em bebidas ou às vezes apenas em lágrimas. O longa por vezes acaba parecendo um capítulo de algo maior".

O cinema de Hong não costuma fazer parte do grande circuito de premiações, então talvez esteja distante do Oscar, mas o longa ainda pode entrar em diversos festivais. Quanto a premiação em Cannes, o filme pode mesmo aparecer entre os favoritos. 

Chegamos ao quinto dia de Festival de Cannes! E que dia! Afinal, tivemos três produções muito aguardadas estreando.

O fraco "How to Talk to Girls at Parties", de John Cameron Mitchell, marcou a primeira presença de Nicole Kidman no tapete vermelho. "The Redoubtable" é a proposta de Michael Hazanavicius de contar sobre o lendário Jean-Luc Godard para os leigos.

Quem roubou a cena no dia foi a contesta Netflix. Eles arrasaram! "The Meyerowit Stories" é um grande sucesso e lança Adam Sandler direto na corrida do Oscar com grandes chances. Não isso não é ironia!

Acompanhe os comentários abaixo!

O 70ª Festival de Cannes tem uma rainha, pois neste ano ninguém pode dizer que Nicole Kidman esteve discreta em suas produções. Ela está em três filmes e uma série, terá uma semana de bastante trabalho, entrevistas e tapetes vermelhos. A primeira aconteceu ontem com a estreia de “How to Talk to Girls at Parties”, de James Cameron Mitchell. E se havia o medo de Kidman eclipsar todos a sua volta pelo seu feito no Festival, podemos dizer que ela não precisou colaborar para a produção ser considerada fraca pelos especialistas.  
 
O longa tem como base o clássico conto de Neil Gaiman, escritor britânico conhecido por seus contos que envolvem mistério e mitologia. Na história Enn, John e Vic são fãs incondicionais do punk. Depois de assistir a um show local com uma performance de SLAP, eles vão a uma festa que acreditam estar sendo realizada pela guru criativa da cena musical e comportamental, Boadicea. Lá eles Zan, uma jovem que parece muito mais interessado em explorar o que está acontecendo do lado de fora do que na festa.
 
Segundo o Collider, muitos dos problemas têm origem nas decisões de Mitchell. “Ele não está facilitando as coisas. Ele claramente tem uma ideia visual e temática específica que ele tenta executar. Quer envolver um conto de amor jovem em torno de temas de identidade, sexualidade e auto-realização, ou seja, Mitchelll quer que este mundo pareça terreno e surreal ao mesmo tempo. E é simplesmente um pouco demais.”
 
As críticas ao diretor continuam que apesar dos esforços, perdeu a oportunidade de fazer um filme que poderia ter aberto os olhos das pessoas e até mesmo levantar uma poeira se tivesse sido produzido quando o conto foi lançado, há dez anos. O Variety pontuou que “é possível que Mitchell tenha sido atraído para adaptar o conto de Gaiman porque a cosmologia espalhafatosa e confusa das colônias alienígenas coordenadas pelas cores do filme ecoou, para ele, a elaborada e absurda história de "Hedwig", sua outra produção. Desculpe, mas a cosmologia - além do atraente designer látex (obra de Sandy Powell) - não adiciona nada no filme”.
 
Elle Fanning é uma atriz promissora, atuando muito bem como sempre, mas deve começar a buscar personagens diferentes para mostrar mais de sua versatilidade, sua Zan é muito parecida com a atuação em “Demônio de Neon”. Alex Sharp é um jovem e simpático ator, mas Enn é muito raso. Segundo o Telegraph, “os veteranos Ruth Wilson e Matt Lucas tem pouco a fazer no filme, mas sempre que aparecem vão bem. Uma das melhores cenas de todo o filme é a discussão entre as personagens de Wilson e Kidman, divertida e extremamente franca com relação a história e, sem quer, com que o filme poderia ter sido.” Nicole não compromete, mas não está em um dos seus melhores papeis, faz um tipo estridente que já vimos em outros dos seus personagens.
 
No final fica a impressão que Gaiman merecia um melhor tratamento, um melhor cuidado com a sua história. Que Mitchell esteve muito aquém de suas habilidades, querendo reproduzir a aura de “Hedwig” e “Shortbus”, mas naufraga dentro de suas vontades. E que Elle está se firmando com uma das melhores de sua geração e que esse filme não deve dar a Kidman uma nova indicação ao Oscar. Um filme sem sal. 

Hazanavicius está de volta ao tapete vermelho do Festival de Cannes, desta vez evocando Godard. Esta é a terceira vez do cineasta francês concorrendo pela Palma de Ouro. A primeira é inesquecível, pois "O Artista" saiu de lá com o prêmio de melhor interpretação masculina, vencido por Jean Dujardin, direto para o Oscar, onde ganhou Melhor Filme. Três anos depois ele apareceu com o drama de guerra "The Search", um fracasso total. Agora é a vez de "The Redoubtable", que traz no elenco sua amada Bérenicé Bejo, além de Louis Garrel e Stacy Martin.

Baseado no livro da ex-esposa de Godard, Anne Wiazemsky, o longa está centrado no ano de 1968, crucial para o diretor e para a França. Na tela vemos sobre o seu segundo casamento, com Anne, uma jovem atriz em ascensão, e também sobre seu ativismo político. Por ser baseado no livro de Anne, Hazanavicius poderia ter se inclinado em favor da mulher, entretanto não se trata de "Cenas de um Casamento". Ele procura os risos e o valor de diversão, que estão presentes em abundância na tela, contudo sempre de forma justa.
 
O crítico Todd McCarthy, do The Hollywood Reporter destaca o tom leve que a história ganhou. "Embora o filme gere algumas idéias desarmantes sobre a composição complexa de Godard e de seu comportamento difícil, ele tem a seu favor o aprimorado desempenho da estrela francesa de Louis Garrel. Os cinéfilos mais conservadores provavelmente irá rejeitá-lo, o caracterizando como desrespeitoso, enquanto mais espectadores no geral vão achar divertido, mesmo que não desperte grande interesse sobre o cineasta."

Ainda sobre a desconstrução de Godard, muitos críticos apontavam a produção como sendo uma grande incógnita, pois falar sobre a lenda do cinema sempre foi um ato difícil, nas mão de Hazanavicius, tão contestado por "The Search", tudo poderia ser pior. "De muitas maneiras, o filme é um ato de personificação, não menos estilisticamente. Louis Garrel abandona seus maneirismos narcísicos habituais, muitas vezes perturbadores, para submergir-se totalmente numa evocação de Godard, muito mais que apenas imitação, apesar de certos tiques vocais (o zumbido, a voz soturna e o sotaque vagamente suíço)", conta o Screendaily. Sobre as demais interpretações eles afirmam: "Stacy Martin transmite um frágil frescor e uma inteligência afiada, que gradualmente surge por trás da inexperiência de menina. Bérénice Béjo e Grégory Gadebois oferecem apoio auto-suficiente, mas firme como membros do círculo do casal."

Sobre Hazanavicius, ele continua questionado, isso não mudou desde "O Artista". "The Reoudtable" não endurece as falhas do diretor, nem se esquiva das tangentes antisemitas de seus ataques anticapitalistas que continuam a manchar sua reputação. O filme reconhece suas contradições e suas realizações artísticas com uma mão delicada. Ele vai bem na maior parte. O filme consegue tomar uma história que a princípio teria um apelo restrito e o amplia trazendo as tradições de gênero familiares e contextualizando a carreira multifacetada de Godard para especialistas e recém-chegados", pontua o Indiewire.

Há muito tempo, Godard deixou de ser um artista que interessa ao público em geral, mas seguiu seu próprio caminho até o ponto de que, sem dúvida, ninguém mais experimentou tão extensamente em reinos tão raros da linguagem cinematográfica, ele é um dos maiores da história da sétima arte. Hazanavicius se esforça para populariza-lo, deixa-lo mais tragável. Consegue, talvez não muito por seu méritos, mas pelo carisma de Louis Garrel. Por fim, destaque que no filme o grande ponto de virada para o diretor é uma viagem que ele faz para participar do Festival de Cannes de 1968. Uma homenagem ao festival em sua celebração de número 70.

Depois do sucesso da estreia de "Okja", Netflix entrega em Cannes sua segunda estreia e, só para deixar as discussões ainda mais quente, o filme também foi muito bem! Inclusive com burburinhos de Oscar para Adam Sandler.

"The Meyerowit Stories" é dirigido pelo também estreante em Cannes, Noah Baumbach, e conta a história de uma família: Harold Meyerowitz (Dustin Hoffman) o patriarca, casado com Maureen (Emma Thompson) e pai de Matthew (Ben Stiller), Danny (Adam Sandler) e Jean (Elizabeth Marvel). Escultor aposentado e extremamente vaidoso, ele fica satisfeito ao saber que está sendo organizado uma exposição para celebrar seu trabalho artístico. Só que, em meio aos preparativos, Harold adoece e faz com que todos os filhos precisem se unir para ajudá-lo a se recuperar, o que resulta em várias situações que colocam a limpo traumas do passado.

A primeira coisa que a Variety diz é que esse é o melhor filme original Netflix até hoje. Além de dizer que Dustin Hoffman está em dos seus melhores papeis dos últimos anos, a crítica é bem direcionado à Sandler: "Adam é forçado a atuar, e é uma coisa gloriosa de assistir - mesmo para aqueles fãs que gostam dele no modo eterno homem-criança (não se preocupe: o personagem é uma variação completa daquele conhecido protótipo Sandler). Talvez seja por isso que a Netflix, que está investindo no negócio de Adam Sandler, pegou essa produção de Scott Rudin, relativamente alta, apenas algumas semanas antes de sua estréia no festival de Cannes. Ainda assim, é estranho pensar que a empresa responsável por "Os Seis Ridículos" poderia ser a responsável pela primeira indicação de Sandler ao Oscar - e seu melhor papel desde quando "Embriado de Amor" tocou Cannes em 2002".

O THR elogia o roteiro e também as atuações: "Baumbach escreveu papéis ótimos e muitos diálogos bons, apenas o que os atores amam fazer, o que explica facilmente por que atraiu esse elenco. Hoffman governa incontestavelmente como o gênio perdido em sua própria mente, entregando pronunciamentos egoístas e comentários cortantes. Logo atrás, surpreendentemente, é Sandler, que passou a maior parte de sua carreira escondendo o fato de que ele pode sim segurar um personagem forte e mudar os seus gestos; é uma apresentação legitimamente fina e bem construída. Stiller também transmite o desespero maníaco do seu personagem, mostrando uma faceta que já vimos antes e inclusive costumamos gostar".

The Guardian deu 4 estrelas em 5 e muitos elogios à Ben Stiller: "A comparação com o The Royal Tenenbaums de Wes Anderson também não pode ser evitada, por mais diferente que seja o estilo, pelo menos em parte porque Ben Stiller está nele - e Stiller aumenta se estilo de atuação consideravelmente, trocando sua ironia habitual bastante opaca e impassível com algo muito emocional. O longa  pode não ter tanta profundidade, e existem maneirismos que não funcionam inteiramente: há um hábito de encerrar abruptamente a cena no final de uma explosão de efeito cômico e os títulos dos capítulos são um pouco redundantes, mas é terrivelmente prazeroso e divertido - qualidades cinematográficas que parecem fáceis, mas não são - e há um verdadeiro charme, delicadeza e calor, especialmente em alguns momentos de Stiller".

Por fim, o Indiewire começa dizendo que "não é o filme mais espirituoso ou mais excitante que Noah Baumbach já fez, mas pode ser o mais humano". E finaliza também falando de Adam Sandler: "Bem, continua a ser extremamente frustrante como Adam Sandler pode ser bom quando ele não está fazendo filmes Adam Sandler. O personagem dele soa tão próximo que nos faz sentir como se fosse alguém que a gente conhece, ou alguém que a gente pode ser".

Pois bem, Noah Baumbach conseguiu e a Netflix deve estar dando pulos de alegria. Uma premiação em Cannes talvez seja esperar demais por causa das polêmicas. Mas a temporada de premiações pode trazer bons frutos. Indicação ao Oscar de Melhor Roteiro Original e uma indicação para Adam Sandler como Melhor Ator Coadjuvante são duas apostas que podem funcionar!

No quarto dia de festival o cinema francês conquistou a crítica com o sensível "120 Battements par Minute", Kristen Stewart mostrou valor ao dirigir seu primeiro curta-metragem e "The Square" também saiu muito bem aplaudido!

Confira como foi esse ótimo dia em Cannes:

O nome de Ruben Östlund pode ser desconhecido para a maioria dos brasileiros, mas em pouco mais de 15 ano de carreira, seu cinema tem encontrado o público e a critíca que entende o discurso provocativo e reflexivo que impõe em seus trabalhos. Cannes entendeu, e o diretor sueco já ganhou a mostra Un Certain Regard por “Força Maior” e a Coup de Coeur por “Play”. Este ano ele estreia na competição principal com “The Square”, em que explora as ideias sobre os contratos sociais, sobre o poder e a classe dominante e o menosprezo crescente do mundo da arte.
 
A trama conta sobre Christian, que é o curador de um museu de arte moderna. Poucos dias antes da abertura da prestigiosa exposição The Square, ele é assaltado. Ele então parte em busca de encontrar o assaltante e se encontra em situações que o faz questionar sua própria bússola moral. Simultaneamente, ele precisa lidar com os últimos preparativos da exposição. O que parecia ser uma história simplória, torna-se um pungente drama satírico que reflete os nossos tempos no que diz respeito ao senso de comunidade, a coragem moral e as consequências de atitudes egocêntricas em um mundo cada vez mais incerto.
 
Östlund acertou em cheio, pois o resultado em tela animou quem assistiu e a crítica o aponto como um interessante candidato a Palma de Ouro. Segundo a Vulture “o olhar do diretor para as sutilezas do comportamento humano, especialmente o comportamento público, nunca falha. Em uma determinada cena ouvimos uma treinadora dando uma palestra para um membro desapontado da equipe dizendo com firme carinho "Não desperdice energia sentindo pena de si mesmo, corrija e siga em frente." Ninguém mais em “The Square” tem a maturidade emocional de que uma líder de torcida”. Como todos nós.

Os elogios continuam, agora pelo The Guardian que destacou que o longa trabalha como a culpa de uma pessoa infecta toda uma sociedade como uma avassaladora depressão nervosa, que é intensificada, porém camuflada por uma crença de não-conformismo, no filme através do desempenho provocativo da arte. E ainda realça: "a sequência do jantar é realmente um teatro sobre a crueldade e medo, que induz o suor frio. Östlund pode ter sido inspirado por Roy Andersson ou talvez Lars Von Trier. Há uma gota de Buñuel lá também - mas a assinatura própria do diretor é clara. Isto é cinema de alta qualidade."

O elenco parece reproduzir muito bem as intenções do autor, pois o desempenho dos atores dentro dos seus personagens são excelentes. A começar pela dobradinha de Claes Bang e Elizabeth Moos, as cenas em que estão são dotadas de grande sintonia que resulta em um humor inteligente e fino, que faz a plateia rir genuinamente. Merece destaque também o ator Dominic West, que interpreta um tipo que poderia parecer ridículo, contudo sua esperteza e cara-de-pau encaixam muito bem. O ator, ginasta e dublê Terry Notary, conhecido por seus trabalhos em filmes de captação de movimento como "Planeta dos Macacos"  é o responsável pela melhor cena do longa, a do jantar.

Por fim, o The Hollywood Reporter apontou o que se esperar de "The Square" para a temporada. "Alguns cortes significativos iriam, sem dúvida, melhorar as perspectivas críticas e comerciais do filme - que tem duas horas e meia -, mas ainda é um trabalho potente e perturbador que explora os limites da correção política, da liberdade artística e da liberdade de expressão de maneira provocativa. Deve e merece receber uma exposição significativa a nível internacional", afirmou. Cannes sempre oferece a visibilidade para que um longa internacional ganhe projeção dentro da temporada de festivais e premiações. A julgar pelo desempenho de "The Square" aqui, suas chances de ganhar a Palma de Ouro e ser o representante sueco no Oscar são reais.

O diretor e roteirista francês Robin Campillo estreia em Cannes com apenas seu segundo trabalho na direção, e mostra ser dono de uma sensibilidade incrível!

O longa se passa na França, no início dos anos 1990. Onde o grupo ativista Act Up está intensificando seus esforços para que a sociedade reconheça a importância da prevenção e do tratamento em relação a Aids, que mata cada vez mais há uma década. Recém-chegado ao grupo, Nathan (Arnaud Valois) logo fica impressionado com a dedicação de Sean (Nahuel Pérez Biscayart) junto ao grupo, apesar de seu estado de saúde delicado.

O THR exaltou o trabalho do diretor, dizendo que dá para sentir a paixão que a equipe têm pelo filme, principalmente por parte de Campillo, já que o filme é baseado em suas experiências como um dos membros da organização. Mas a revista também destaca um ponto fraco: "Embora um dos principais méritos do filme seja um conjunto de rostos não familiarizados, que transmite vigorosamente o sentido de um movimento juvenil galvanizado, poucas das figuras principais recebem a definição de caráter para sustentar uma sentença tão longa. Mas não há queda de qualidade e o material parece muito bom, talvez uma edição mais rigorosa melhorasse muito as perspectivas internacionais da produção amorosamente feita".

The Guardian deu 5 estrelas 5 e exaltou o roteiro de Campillo, principalmente a construção dos seus personagens e a força apaixonante que parece mover toda a equipe envolvida e é tão nítida na tela. O veículo ainda escreveu assim: "Este filme tem o que seu título implica: um batimento cardíaco. Está cheio de vida cinematográfica".

A Variety escreveu que o filme conta com uma visão rara e inestimável, e ainda o compara à 'Filadélfia" e "Clube de Compra Dallas", dizendo que pode ser colocado no mesmo patamar dos dois filmes e que inclusive é tão relevante quanto, principalmente por saber retratar quase que perfeitamente aqueles anos e aqueles momentos históricos. O longa trabalha brilhantemente todo o erotismo dos jovens e, ao mesmo tempo, o medo que se encarava ao falar de AIDS e todas as batalhas necessárias. É um filme que deve sair de Cannes e conquistar todos os festivais, aposta a revista. 

O longa de Campillo se torna um forte concorrente à sair de Cannes premiado. E se isso acontecer, a França pode muito bem levá-lo até o Oscar como representante de filme estrangeiro. Depois de um ano onde "Moonlight" quebrou barreiras, "120 Battements par Minute" pode chegar muito longe! E se isso acontecer, será ótimo.

Entre tantos longas tão grandiosos que estreiam em Cannes, é um pouco difícil imaginar que realmente algum curta vá chamar a atenção (tanto que foi um pouco complicado achar críticas disponíveis), mas Kristen Stewart parece ter se saído tão bem em sua estreia na direção, que o Telegraph têm muita coisa à dizer!

O curta de 17 minutos é um tanto abstrato, e fala sobre um homem que luta contra uma sede  inextinguível - às vezes dentro de um sonho, e talvez às vezes não.

O telegraph escreveu que é "um trabalho sério, sombrio, muitas vezes não-sutil - mas também é disciplinado, fortemente coerente e alfabetizado em uma maneira surrealista à moda antiga". O fato é que Cannes sempre deu espaço para a atriz, exibindo vários de seus filmes e apostando que ela é alguém que vale a pena - e não é que estavam certo? Lembrem do prêmio César dois anos atrás. Agora, como diretora, segue uma interessante observação do telegraph: "Come Swim é significativamente melhor do que alguns dos projetos mal-aconselhados de atores dirigindo que o festival tem apresentado recentemente (lembrem de Ryan Gosling e Sean Penn)".

Por fim, o telegraph finaliza assim: "Os cínicos podem zombar de que qualquer pessoa com o orçamento e o calibre da equipe de Stewart poderia ter feito um bom filme. Mas até mesmo um segundo de reflexão lança inúmeros exemplos onde eles não fizeram (utra vez, lá Gosling e Penn). A verdade é que ela tem algo - e quando há algo mais, Cannes sem dúvida vai dar espaço".

O terceiro dia de festival foi emocionante!

Netflix estreia com "Okja" e entre tantas as polêmicas que tomaram conta da semana que antecedeu o festival, o longa simplesmente foi muito bem aplaudido e querido por todos que estavam presentes na exibição. Claro que nem tudo são flores, o longa teve problemas técnicos na hora da exibição, o que acabou atrasando um pouco o cronograma e o filme teve de ser reiniciado. Mas, o mais curioso, é que nos primeiros minutos, quando apareceu o logo da Netflix, boa parte da plateia vaiou. Mesmo assim o longa não foi prejudicado. 

A outra estreia é "Jupiter's Moon", que dividiu a plateia com uma trama fantástica, mas ainda pode surpreender na premiação.

Veja como foi o terceiro dia do Festival de Cannes:

E a Netflix estreou em Cannes! Depois de tantas polêmicas e discussões, "Okja" entrou com seu grandioso elenco pelo tapete vermelho e aqueceu ainda mais a briga sobre o serviço de streaming ter espaço no festival ou não. Acontece que a Netflix foi vaiada no momento em que seu nome apareceu na tela e, mesmo assim, o filme foi muito aplaudido no final! A atriz Tilda Swinton se manifestou sobre as polêmicas e disse que Cannes deveria ser um espaço aberto para quem tivesse algo à dizer, um filme para mostrar e que criar barreias parece ir contra tudo que o festival costuma apoiar. Bom, essa história ainda vai render muita discussão! 

"Okja" conta a história de uma menina que cuida e tem como melhor amigo uma criatura fantástica. Os problemas começam quando uma multinacional resolve que irá roubar a criatura. O longa é dirigido por Bong Joon-Ho (que estreou em Hollywood de forma muito elogiada com "Expresso do Amanhã") e conta com elenco formidável: Jake Gyllenhaal, Tilda Swinton, Paul Dano, Giancarlo Esposito e An Seo-Hyun. 

A Variety deu 5 estrelas em 5 e deu inúmeros elogios para a direção segura de Bong, além do roteiro muito bem escrito e da força de todos os personagens. Claro que também reservou um espaço para falar muito bem da criatura fantástica e dos efeitos visuais muito bem utilizados. 

O The Guardian também entregou 5 estrelas em 5 e começou alfinetando ao dizer que "a Netflix não deveria se contentar em deixar o filme na tela pequena, os efeitos digitais são espetaculares e as imagens visuais bonitas. É um desperdício terrível deixá-los num iPad".
A revista também enfatizou o trabalho de Jake e Tilda: "​É verdade que o desempenho de Jake Gyllenhaal como o Dr. Wilcox é bastante amplo e também o próprio desempenho de Swinton, no início. Mas sua presença no filme aprofunda e intensifica com o passar do tempo, mostrando-nos novas perspectivas e ela é um vilão maravilhosamente observável, estremecendo e franzindo o cenho com auto-piedade e medo". Por fim, o The Guardian entrega dois curiosos elogios, o primeiro dizendo que algumas cenas se assemelham a grandeza de King Kong, mas não tão óbvio. E o segundo, que Spielberg com certeza aprovaria algumas cenas grandiosas.

Já o The Hollywood Reporter, além de tecer diversos elogios, lembrou que a parte técnica do filme é feita por nomes já vencedores do Oscar como Erik-Jan De Boer, que trabalhou com Ang Lee e levou a estatueta por "As Aventuras de Pi". De Boer foi o responsável pelos efeitos visuais e já saiu de Cannes com um burburinho sobre uma nova indicação. O único problema levantado é a questão de alguns diálogos do roteiro que às vezes soam demasiadamente infantis ou perdidos. Mesmo assim, o THR finaliza: "Como o incômodo animal híbrido em seu coração, esta besta não é feita apenas de belezas. Mas é uma declaração tecnicamente impressionante e corajosamente original de um crescente autor asiático com ambições cada vez mais internacionais".

A Vulture escreveu que é engraçado como um filme sobre uma criatura estranha, possa vir a ser um dos filmes humanos da temporada e elogiou o fato de o filme não ser falado apenas em inglês, respeitando todas as linguagens necessárias.

Por fim, a Collider entregou um resumo bem prático do que parece ter significado a força de "Okja": "é deslumbrante e emocionante e engraçado e inventivo e inesperado. É por isso que Bong é um visionário entre seus pares. E, meu Deus, é por isso que vamos ao cinema".

"Okja" conseguiu. Netflix oficialmente lança um filme no Festival de Cannes e é muito aplaudida! Agora se vai ter chances para a Palma de Ouro é outra conversa... Mas, talvez para o Oscar, algumas indicações técnicas podem muito bem aparecer. Talvez até mais.

A produção de Kornel Mundruczo aproveita um pouco de tudo: o velho desejo que os homens têm de voar, o drama mundial dos refugiados e o grande momento que vive o cinema húngaro. Se tudo parece desconexo, a trama de “Jupiter's Moon” tenta alinhavar os pontos, pois é a história de um refugiado sírio que descobre que pode voar depois de ter sido baleado enquanto tentava atravessar a fronteira para a Hungria. Mundruczo sempre foi um cineasta ousado, ou pelo menos curioso nas suas escolhas. Seu primeiro sucesso internacional foi um musical sobre Joana D'Arc, chamado “Johanna” e que passou por Cannes em 2005, na competição Un Certain Regard. Sua estranheza seria bem aceita agora? Até que foi, mas em partes. 

O roteiro ambicioso ao combinar a tensa crise atual com elementos que podem ser descritos como sobrenaturais ou fantásticos impressiona como uma criação cinematográfica. E também como uma história, já que é impossível não passar indiferente a ele. O The Hollywood Reporter destaca a beleza das cenas: “Toda a primeira parte do filme, os planos sequencia são deslumbrantes, cortesia dos 32 anos de carreira do diretor de fotografia Marcell Rev, em uma analogia a outra produção de Mundruczo, o igualmente impressionante “White God” (vencedor de Um Certain Regard em 2014). [...] Depois a narrativa toma seu primeiro twist, com a sobrevivência de Aryan e o seu sangue que de repente começa a fluir para o céu, seguido pelo próprio Aryan”. 

Toda essa parte em que o protagonista assume seu superpoder encontra ecos no desejo pertinente que o homem tem de voar, desde o mito de Ícaro, passando pelos aviões e finalizando nos tecnológicos trajes que garantem a experiência, pelo menos por alguns minutos. É neste ponto que o filme começa a não ser crível. O Screendaily chamou a produção de "mistura estranha - uma espécie de combinação de "Filhos da Esperança" e um filme de "X-Men", que não deixa de passar uma mensagem ao público." Ou seja, não é porque ele leva para o lado da fantasia, que deva ser desacreditado, pelo contrário, contudo perdeu um pouco da verossimilhança. "Essa intrigante justaposição vai seduzir multidões para o cinema, mas reviews mistas podem abafar o entusiasmo".
 
Todavia, o maior problema do longa seja a sua avidez temática. "Jupiter's Moon" quer enfrentar a crise dos imigrantes, a perda da fé religiosa do mundo ocidental, os milagres, a redenção, o terrorismo, o sacrifício, a culpa e a alienação urbana moderna. É um thriller, um filme de perseguição, uma alegoria cristã, uma fábula sobre uma família e o drama visceral das questões sociais específicas sobre o estado húngaro e resposta desumana à crise dos refugiados", destacou o Variety. Com tanta informação, ele se perde.

Se Mundruczo quis aproveitar o excelente momento do cinema húngaro, seja pelo êxito de suas próprias produções ou no recente Oscar de Melhor Filme Estrangeiro, vencido por "O Filho de Saul", de Laszlo Nemes, ele bateu na trave. O filme está longe de ser ruim e a atuação do jovem ator de teatro, recentemente no cinema Zsombor Jéger, é ótima, mas pecou por seus excessos. O The Guardian bem pontuou: "É um trabalho muito estranho e singular: não é a obra-prima visionária que se assume, porque acaba por se confundir em seus efeitos e ideias, mas é certamente corajoso. Ele perde a profundidade,porém sem se tornar superficial."

Por fim, o Variety trouxe uma indagação que merece ser refletida com atenção, provavelmente os questionamentos que o diretor imaginou ao produzir: "Talvez ele [Ayan] tenha vindo para nos salvar, talvez para nos condenar ou talvez simplesmente para viver o sonho supremo dos refugiados, finalmente escapar. Mesmo que seja subindo para a estratosfera, para longe da selvageria da humanidade, da banalidade e da corrupção."

As opiniões diferentes podem ser um problema para o filme ter uma longa vida na temporada de premiações, mas a singularidade do trabalho pode trazer bons frutos dentro da premiação em Cannes.

Depois de dirigir o muito elogiado "Temporários 12", o diretor Destin Cretton se uniu outra vez para trabalhar com Brie Larson! Dessa vez para filmar a adaptação do livro homônimo de Jeanette Walls. 

A trama retrata a infância de Walls, criada com os irmãos no seio de uma família desequilibrada, bastante pobre e nômade, e as consequências disso em sua vida adulta. 

​Confira o trailer abaixo:

O filme estreia nos cinema americanos no dia 11 de agosto.

Com sua estreia em Cannes para acontecer, Netflix divulgou um novo trailer do seu primeiro trabalho à passar pelo tapete vermelho. Trata-se do filme "Okja", de John-ho Bong. O longa fala sobre Mija (Seo Hyun An), a cuidadora de Okja, um enorme amigo e animal de estimação. A jovem garota está prestes a mudar todo o rumo de sua vida, porque uma poderosa multinacional ameaça sequestrar seu melhor amigo e levá-lo para Nova York. No entanto, a menina não medirá esforços para impedir o crime e salvar o animal.

O filme é estrelado por Tilda Swinton, Jake Gyllenhaal, Paul Dano, Giancarlo Esposito, Steven Yeun, Lily Collins e apresenta a estreante Seo Hyun An.

Confira o trailer:

"Okja" estreia hoje no Festival de Cannes e amanhã você pode conferir aqui no CETI! como foi a recepção da crítica!

O segundo dia do Festival de Cannes já nos faz lembrar porque esse é um dos eventos cinematográficos mais importantes e grandiosos do mundo! 

Foi um dia exemplar, com duas das estreias mais esperadas da temporada! Tivemos direito a um filme mais polêmico, "Loveless", de Andrey Zvyaginstev - um dos mais importantes diretores russos da atualidade - e a volta de Todd Haynes no festival, depois de estrear dois anos atrás com o poderoso "Carol", o diretor pisa no tapete vermelho com uma das maiores promessas da temporada - com as estrelas Michelle Williams e Julianne Moore - "Wonderstruck". 

Confira abaixo como foi o segundo dia do festival: 

Abrindo as exibições do Festival de Cannes, o diretor Todd Raynes apresenta seu sétimo filme, “Wonderstruck”, estrelado por Oakes Fegley e pela iniciante Millicent Simmonds, que recebem o apoio em cena das grandes atrizes Julianne Moore e Michelle Williams. O longa dividiu opiniões, mas foi unânime no que diz respeito à produção.

“Wonderstruck” é um longa dividido em dois períodos, anos 70 e 20, e conta a história de duas crianças surdas que encontram em Nova Iorque um refúgio para sua situação – uma é obrigada pelo pai a aprender linguagem de sinais e o outro vai em busca do pai que nunca conheceu. A história é uma adaptação do autor Brian Selznick, o mesmo que inspirou o filme “A invenção de Hugo Cabret”, dirigido por Scorsese.

Assim como em “A invenção de Hugo Cabret”, o universo de “Wonderstruck” beira a magia e inocência que só um filme liderado por crianças pode trazer. No entanto, esse foi um dos pontos fracos mais comentados pela crítica em Cannes, a veia infantil do roteiro torna o andamento do mesmo bastante coincidente e com desdobramentos forçados, como ressalta este trecho da análise do site da Variety: “Mas é aqui, quando "Wonderstruck" deveria estar levantando voo, que o filme começa a girar de forma prosaica e enrolada, com camadas de coincidência significativa. (Você não vai acreditar como esses dioramas se conectam ao passado de Ben.) A revelação da ligação entre Ben e Rose é realmente muito bonita, mas muito mais do que o que acontece”.

Além disso, as cenas que se passam em 1920 são reproduções evidentes do sucesso que foi “O Artista”: a fotografia é toda em preto e branco, como comenta o The Guardian. “As sequências dos anos 1920 são filmadas em preto e branco, uma insistência ligeiramente pedante na idade do cinema mudo. Wonderstruck também implica uma ligação fracamente errada entre o cinema mudo e a surdez, o que eu acho que é ignorar a experiência vital do acompanhamento musical”.

Apesar de ter dado 2 estrelas (de 5), o crítico do The Guardian também encontrou e elogiou as referências artísticas do clássico “Nosferatu” e dos filmes “O Curioso Caso de Benjamin Button” e “Uma Viagem Extraordinária”.

A trilha sonora de “Wonderstruck” foi elogiada pelos críticos, principalmente por evidenciar as trocas de período e de locação. O trabalho foi feito por Carter Burwell. “A enorme quantidade de música que ele escreveu para este filme inclui alguns de seus melhores e mais ambiciosos trabalhos até hoje, desde o vento propulsivo e as peças de piano que materializam as melodias da era silenciosa para o drone psicológico que nos recebe de volta a Nova York. As notas indicam que o filme está caminhando para uma incrível sensação de coesão”, traz a análise do Indiewire.

Em meio a tantos comentários focados na produção e no roteiro, “Wonderstruck” ainda tem um grande elenco que merece ser mencionado. “O filme é mais visualmente inebriante do que comandado por atuações, embora Moore e Williams tragam sua classe inefável e habitual sensibilidade ao seu tempo de tela limitada [...] Os jovens atores aparecem em tela com naturalismo inconsciente: a coragem e determinação vulnerável de Fegley; a Simmonds silenciosamente luminosa tem os poderes expressivos de uma estrela de tela silenciosa”, comenta o site Hollywood Reporter.

As críticas de “Wonderstruck” focaram bastante em suas características visuais por se tratar de um filme sobre crianças. A temática pede uma produção mais imersiva, e isso o diretor Todd Haynes conseguiu alcançar. Mas, pelas expectativas dos críticos que já assistiram a obra e conhecem o trabalho do diretor, o roteiro deixou a desejar em alguns pontos por seguir em caminhos forçados. Dessa forma, “Wonderstruck” se posiciona como um longa que merece ser visto por sua composição técnica e que está um pouco longe de tocar na estatueta do Oscar.

“Loveless”, do diretor russo Andrey Zvyagintsev (‘Leviathan’), chegou com força a Cannes. O misterioso drama retrata a sociedade russa de maneira intensa, onde a busca por status, dinheiro e poder ganha destaque e leva a uma reflexão pesada sobre o individualismo do século XXI. A história de um casal de classe média, Borys e Zhenya, com um relacionamento desconectado e sem amor, e seu filho impactado por essa situação, Alyosha, trouxe uma carga emocional com contornos dramáticos a essa relação e ganhou aplausos durante a exibição nessa quinta-feira.

Os maiores elogios cabem para o trabalho de Andrey. Inclusive, o The Hollywood Reporter escreveu que "Andrey Zvyagintsev mais uma vez demonstra seu notável dom para a criação de microcosmos dramáticos perfeitamente formados que ilustram as patologias humanas da sociedade russa (...) Zvyagintsev mantém os exigentes padrões técnicos dos quais ele é conhecido. Seu elenco, a trilha pouco conhecida fora da Rússia e os atores que apresentam performances igualmente destacadas que compõem belamente o clímax. O filme nos deixa um com um nó no estômago, ao deixar claro para todos na sala que é impossível uma vida sem amor".

O The Guardian deu a nota de 5 estrelas em 5 e muitos elogios: "é uma história crua, misteriosa e aterrorizante de catástrofe espiritual: um drama com a forma ostensiva de um thriller processual de crime. Tem uma intensidade hipnótica e uma ambiguidade insuportável que é mantida até o fim. Esta é uma história da Rússia moderna, cujo povo está à mercê de forças implacáveis, um mundo sem amor como se fosse um planeta sem os meios de sustentar a vida humana, um lugar onde a necessidade ordinária de sobrevivência se transformou em uma aspiração inesgotável de demanda por status, dinheiro e liberdade para encontrar um segundo casamento vantajoso que traga um bom apartamento, sexo, luxo e as mídias sociais que permitam uma auto-afirmação. Mas tudo isso é apoiado, ou supervisionado, por normas sociais intensamente conservadoras do cristianismo, do conformismo e do nacionalismo (...) "Loveless" pode não ter a grandeza e o alcance de "Leviathan, mas seu brilho e paixão são extremamente convincentes".

A Variety fala sobre a importância política e cultural dos trabalhos de Andrey: "Zvyagintsev não pode vir para a direita e declarar, em cores vivas e afiadas, a corrupção total de sua sociedade, mas ele pode fazer um filme como "Leviathan", que levou a temperatura espiritual de uma Rússia de classe média que parecia ter perdido tudo na bebida e na traição, e pode fazer "Loveless", que tem um olhar sinistro e reverberante não na política da Rússia, mas na crise de empatia cultural e da constante insensibilidade".

Quando estreou com "Leviathan", Andrey foi indicado ao Oscar e levou o Globo de Ouro de Melhor Filme Estrangeiro para a Rússia. As chances dele ser o representante do país de novo são bem altas! E também o filme entra para as apostas como um dos trabalhos que podem sair premiados de Cannes.

Chegou a hora! Começou o maior Festival de cinema do mundo! A 70ª edição de Cannes iniciou em grande estilo com a presença de Pedro Almodóvar, que como presidente do Júri deste ano traz a importante credibilidade na decisão final pela Palma de Ouro. 

Entre tanta festa e expectativa pelos dias que estão por vir, a abertura ficou marcada pela polêmica coletiva de imprensa aonde Almodóvar e Will Smith se pronunciaram à respeito das atuais discordâncias entre Netflix e a organização do Festival. 

Só lembrando, a polêmica começou quando a Netflix se negou a lançar os dois filmes que estão em Cannes em circuito comercial na França. Então a organização permitiu que isso acontecesse esse ano, mas que nos próximos isso se tornaria uma regra para quem quisesse fazer parte do festival. 

Almodóvar disse que: “As plataformas digitais de exibição são uma nova forma de oferecer conteúdo, mas elas não podem suprimir as anteriores, como, por exemplo, o hábito de se ir ao cinema. As novas plataformas não devem mudar os hábitos dos espectadores. Eles devem respeitar as regras que existiam anteriormente e respeitar todos os formatos de exibição". O diretor ainda finalizou dizendo que seria um paradoxo caso o maior festival de cinema do mundo entregue a Palma de Ouro para um filme que o grande público não poderá ver nos cinemas. 

Já um dos membros do júri, Will Smith, parece pensar um pouco diferente: "Tenho filhos de 16, 18 e 24 anos em casa e a Netflix não tem impacto sobre a relação deles com o cinema. Eles descobriram na Netflix muitos filmes que não conheceriam de outras formas e que despertaram a atenção deles para um tipo de cinema sobre o qual eles podem pesquisar na internet. Mesmo assim, eles continuam indo a salas de exibição. São formas bem diferentes de entretenimento”. 

Provavelmente esse assunto deve tomar parte de todos os debates durante as duas semanas de festival... Por hora, o festival começou oficialmente! E você pode dar uma olhada em alguns dos atores e diretores que fizeram parte da abertura na galeria de fotos no final desse post. 

Arnaud Desplechin trouxe seu longa "Ismael Ghost's" para a abertura - junto com alguns dos melhores atores do cinema francês atual e Almodóvar finalizou falando sobre a diversidade do Festival de Cannes 2017: “Espero ter a mesma sensação que Cannes viveu quando por aqui passaram La Dolce Vita ou Apocalypse Now. Espero a surpresa. E se vier algo politicamente incorreto, estou aberto a ele”.

Vamos começar então, oficialmente, o 70º Festival de Cannes!

Apesar de ser um festival de cinema internacional, e talvez o mais democrático deles, Cannes não nega as suas origens francesas. E se estamos em uma celebração pela edição de número 70, o filme de abertura não poderia ser outro a não ser uma demonstração da sua prata da casa. O francês “Les fantômes d'Ismaël” ou “Ismael Ghosts”, como está sendo vendido internacionalmente, foi o escolhido para a noite de gala, com a presença de todo o júri e imprensa. Entretanto, infelizmente, o diretor Arnaud Desplechin não tem muito o que comemorar, pois o que se viu em tela foi muito aquém do esperado.
 
O veterano diretor, que já tem seis indicações a Palma de Ouro, na percepção dos críticos deixou muito a desejar. O The Guardian foi muito direto ao descrever a produção, chamando-a de “pura bobagem” e de “desperdício de tempo”. Segundo Peter Bradshaw “é um rabisco inacabado de um filme, um jogo da mente totalmente despreocupado e loucamente sem substância. Não passa de um esboço ou um emaranhado deles, uma junção de ideias semi-cozidas para serem aplicadas em outros projetos, eu suspeito, que o diretor tentou salvar as coisas e piorou tudo”.
 
Apesar do discurso duro, há algumas ações bem aprazíveis no longa. O primeiro diz respeito ao uso do diálogo e da linguagem cinematográfica, que é muito sofisticado. A trama segue um cineasta cuja vida caí numa espiral de complicações pelo retorno de sua esposa, que ele achava que estava morta, no momento em que ele está prestes a gravar um novo filme. Na visão do The Hollywood Reporter “às vezes o texto de “Ismael Ghosts” tende ao melodrama overrate, quando em outras vezes subverte o seu gênero e traz nuances inesperadas. As várias histórias do filme não se manteriam tão bem se não houvesse um tema abrangente que unisse tudo, por isso o filme acaba por ser tornar um estudo sobre como nossas identidades estão constantemente sendo moldadas por forças externas que podem estar para sempre além do nosso controle, por mais que tentemos - e às vezes falhamos - permanecer centrados”.
 
Em Cannes, o longa está sendo exibido em sua versão reduzida, de 114 minutos, uma decisão do diretor juntamente com a comissão do festival. Tendo sido reservado o corte do diretor, que tem mais vinte minutos, para ser exibido posteriormente na Cinéma du Panthéon, em Paris. Esse fato causou estranheza não só por parecer algo que o festival não está acostumado a fazer, pois tem um postura muito protetiva a respeito das produções exibidas, mas vide a abertura para as produções de streaming da Netflix e Amazon, tudo parece possível, mesmo com a volta atrás no último caso.
 
Peter Debruge, da Variety, achou que essa ousadia da subversão de Desplechin pareceu um tanto pretensioso. “Sem a vantagem de ter visto o corte mais longo de 134 minutos do diretor, uma leitura com o que se tem sugere que ele está determinado a desafiar a linguagem convencional do cinema, aplicando até um pouco da estética cubista na dinâmica central. O filme tem algo profundo a dizer sobre a dor persistente de relacionamentos passados ​​e a ameaça que ainda apresentam ao presente, mas faz de uma maneira desnecessariamente complicada, nós não podemos ajudar e acabamos sendo ainda mais sobrecarregados. Ele quer ser "Um Corpo que Cai" ou "Providence", além de meia dúzia de auto-retratos prismáticos nos quais uma produção ameaça matar o seu criador como em "8½" e "All That Jazz", disse.
 
Por fim, as atuações. O resultado: palmas para Marion Cotillard e Charlotte Gainsbourg, vencedora do Oscar e vencedora da Palma de Ouro, respectivamente. A Indiewire é só elogios, “Cotillard é particularmente apaixonante, é como um pacote melancólico de mistérios ansiosos para retornar a um mundo ainda assombrado pelo trauma de sua partida. Suas interações com Gainsbourg são fascinantes e ambíguos ao se unirem sob circunstâncias impossíveis”. E completa: “Gainsbourg faz um trabalho sólido ao exalar suas frustrações decorrentes da chegada repentina de Carlotta (Cotillard), mas ela é marginalizada pela proeminência de Ismael na narrativa e termina subordinada à sua existência.” Por falar no personagem que dá título a história, Ismael é um tipo estranho na tela, protagonista, mas ao mesmo tempo marginalizado em sua história. Já Mathieu Amalric está no auge de seus poderes fazendo um tipo desleixado, escravo romântico de suas paixões e tão perdido em pensamentso que o filme parece existir aos caprichos de sua mente inquieta.
 
Pretendendo ser mais do que realmente é, “Ismael Ghosts” não é um dos melhores trabalhos de Arnaud Desplechin, que tem ainda no currículo “Um Conto de Natal” e “Rei e Rainhas”, ficou aquém do que se esperava. Pretensioso, mas na realidade fraco.O que se salva é primeiro o sentimento de que se fosse bem tratado, poderia ser uma boa história, a execução falha. Festejadas mesmo são as atuações do trio francês Marion Cottilard, Charlotte Gainsbourg e Mathieu Amalric, principalmente das atrizes. A noite de abertura foi festiva por tudo o que envolve o festival, mas no final ficou um gostinho amargo, infelizmente.

A Fox Searchlight acabou de lançar o primeiro trailer de "Battle os the Sexes", que traz a última vencedora do Oscar de Melhor Atriz Emma Stone e Steve Carell, duas vezes indicado. Um dos filmes mais aguardados do ano e que, segundo os críticos, pode dar a Emma sua segunda estatueta consecutiva é baseado na história real dos tenistas Billie Jean King e Bobby Riggs.

O longa de Jonathan Dayton e Valerie Faris conta sobre a épica partida de tênis ocorrida no ano de 1973 entre King e Riggs e todas as tensões envolvidas. Buscando a comédia, a produção promete não só dar indicação a atriz, como também a Carell, roteiro, figurino, maquiagem e direção de arte. Contudo o mais importante é a discussão sobre o feminismo e o empoderamento da mulher.

No elenco ainda estão Alan Cumming, Andrea Riseborough, Elizabeth Shue, Austin Stowell e Sarah Silverman. 
 
A estreia nos cinemas dos EUA estão marcadas para o dia 22 de setembro. Imperdível!

Ainda estamos no meio do ano e a cerimônia do Oscar ainda parece muito distante, afinal as principais produções ainda não estrearam na temporada. Entretanto há uma novidade que nem é tão novidade assim, trata-se do apresentador Jimmy Kimmel, que foi confirmado como o mestre de cerimônias em 2018, que será ainda mais especial por se tratar da edição número 90. Quem também parece permanecer nas funções é a dupla de produtores Michael DeLuca e Jennifer Todd.

Será o segundo ano consecutivo do trio, que mesmo com a grande gafe do erro no anúncio do vencedor da categoria de Melhor Filme, não foram penalizados. No caso de Kimmel, muito pelo contrário, já que ele foi um dos principais agentes a tentar contornar a tensa situação. Ele inclusive fez graça com o fato: "Se você acha que estragamos o final deste ano, espere até ver o que planejamos para o show do 90º aniversário!", disse. 

"Apresentar o Oscar foi um melhores momentos da minha carreira e sou grato a Cheryl, Dawn e a Academia por me permitir voltar a trabalhar com duas das minhas pessoas favoritas, Mike De Luca e Jennifer Todd", completou Kimmel. 

Os 90º Oscars serão realizados em 4 de março de 2018, no Dolby Theatre, em Hollywood.